[이주의 전시]MMCA 소장품전 '피카소 도예'·국제갤러리 아니쉬 카푸어 개인전 外

▲MMCA 소장품전 '피카소 도예' = 국립현대미술관은 소장품 기획전시 '피카소 도예'를 국립현대미술관 청주 미술품수장센터(이하 청주관)에서 개최한다.

피카소 도예 전시 전경. [사진제공 = 국립현대미술관]

이번 전시는 2021년 기증된 이건희컬렉션 가운데 피카소 도예 107점을 공개하고, 도예가로서의 피카소(Pablo Picasso, 1881-1973)를 조명하기 위해 마련됐다. 올해는 피카소 작고 50주년이 되는 해로 도예 작품을 통해 피카소의 창작 세계를 재조명함으로써, 20세기 현대미술사뿐만 아니라 도자 역사에도 광범위한 영향을 미친 그의 예술과 삶을 전시를 통해 재발견할 기회를 제공한다.

피카소는 입체주의의 선구자이며 현대미술의 천재 화가로 회화뿐만 아니라 조각, 판화, 도예, 무대미술 등 다양한 매체를 넘나들며 한 분야에 안주하지 않은 열정적인 예술가였다. 특히, 도예는 화가로서 괄목할만한 성취를 이룬 말년의 시기에 시도한 새로운 도전으로, 흙과 불의 특성에 매료되어 수많은 작품을 제작했다.

1906년 스페인 출신 도예가 파코 프란시스코 두리오(Paco Francisco Durrio, 1868-1940)를 만나면서 피카소는 처음 도자를 접했다. 그가 소개한 폴 고갱((Paul Gauguin, 1848-1903)의 도예 작품을 보고 도자의 매력을 발견한 뒤, 1929년 도예가 장 반 동겐(Jean Van Dongen, 1883-1970)과 협업으로 화병을 제작하는 등 도예에 대한 호기심을 이어간다. 1946년 휴가차 머문 지중해 연안의 도시 발로리스 마두라 공방을 방문하게 되면서 도예와 본격적인 인연을 시작한다.

피카소, '큰 새와 검은 얼굴' [사진제공 = 국립현대미술관]

그는 마두라 공방에서 도예의 본질적인 요소들을 성실하게 배워나갔다. 화장토, 산화물, 유약 등의 도자 재료와 불과 흙의 특성 및 번조의 과정을 익혔으며, 공방에서 규칙적으로 생산되는 접시, 그릇, 화병 등에 대해 연구하며 도자의 매력에 깊이 빠졌다. 초기에는 도자 장인들의 도움을 받아 접시 위에 디자인하는 방식으로 작품을 만들었으나, 점차 도자의 모양을 변형하면서 자신만의 조형적 특성을 형성하게 된다. 도예에서 회화와 조각, 판화의 요소를 두루 발견할 수 있는 점은 피카소 도예의 묘미다.

전시는 여인, 신화, 얼굴, 투우 등의 주제별로 구성됐다. 전시 공간은 도자 뒷면의 에디션 기록을 관람할 수 있도록 조성됐으며, 또한 당시 마두라 공방의 모습과 작업 환경을 담은 사진 등의 아카이브 56점과 영화 1편(루치아노 엠메르, 피카소를 만나다, 2000)이 설치돼 창작의 여정을 안내한다. 전시는 2024년 1월 9일까지, 충청북도 청주시 상당구 국립현대미술관 청주 미술품수장센터.

국제갤러리는 아니쉬 카푸어의 개인전을 개최한다. 이번 전시는 7년 만에 국내에서 열리는 작가의 개인전이다. [사진 제공 = 국제갤러리]

▲아니쉬 카푸어 개인전 'Anish Kapoor' = 국제갤러리는 지난 2016년 이후 7년 만에 아니쉬 카푸어의 개인전을 선보인다. 이번 전시는 국제갤러리에서의 네 번째 개인전으로 서울 K1, K2, K3 전 공간에 걸쳐 조각, 페인팅, 드로잉을 망라하는 작가의 다채로운 작업을 폭넓게 소개한다.

‘21세기 가장 선구적인 작가’ 중 하나로 평가받는 작가는 지난해 베네치아에서 혁신적 작업 세계의 새로운 지평을 펼쳐 보이는 대규모 전시를 통해 자신의 위치를 다시 한번 증명했다. 특히 베네치아 전시에서 작가는 근래 집중해오고 있는 매체인 회화를 그의 대표적인 검정 작품들과 병치해 선보임으로써 시각예술의 물리적, 개념적 한계를 꾸준히 시험하는 자신의 능력을 강조했다. 카푸어에게 그 검정 작품군은 회화의 작동 방식에 대한 고찰과도 교차하는데, 작가는 회화에 대해 “무언가를 가시화하는 방식에 대한 역사인 반면, 나는 그와 정반대의 일, 즉 무언가를 어떻게 사라지게 만들 수 있을 것인가에 천착했던 것”이라 설명한다.

이번 전시에서도 작가는 회화와 조각에 대한 이 같은 접근법으로 공간을 구성한다. 서울점 K1에서 K3에 이르기까지 각기 다른 성격의 건축 공간을 활용, 작품 간의 새로운 대화를 제안하며 자신의 작업 전반에 걸쳐 강조되는 ‘신체’에 대한 집중력을 피력한다. 다채로운 재료로써 다양한 모양새의 추상적 제스처를 소개하는 본 전시는 궁극적으로 생(生)의 숭고한 격렬함, 즉 아니쉬 카푸어의 형식 언어를 구축하는 핵심 자원인 생의 맹렬한 숭고미를 일관되게 읊조린다.

국제갤러리는 아니쉬 카푸어의 개인전을 개최한다. 이번 전시는 7년 만에 국내에서 열리는 작가의 개인전이다. [사진 제공 = 국제갤러리]

먼저 네 점의 거대한 조각 설치 작품이 관객의 시선을 사로잡는다. 특정 유형으로 범주화되는 것을 거부하는 이 무거운 덩어리들은 지질학적 조직을 연상시킴과 동시에 해부학적 내장의 모양새에 기대기도 한다. 카푸어를 대표하는 색채인 진한 빨강과 검정을 입은 조각 작품 중 특히 두 점은 '그림자(Shadow)'와 '섭취(Ingest)'라는 제목에서 작업의 맥락과 영감의 원천을 넌지시 가리킨다.

전시 전반에 펼쳐지는 작가의 문법을 한데 농축한 회화 작품들도 주목할 만 하다. 시각적으로 강렬하고 폭발적으로 표현주의적인 이 회화 작품군은 유화, 섬유유리 및 실리콘으로 제작돼 날것의 상태를 구현하며, 비단 유혈이 낭자한 내장을 연상시킬 뿐 아니라 존재의 개화를 암시하고자 한다. 이처럼 물감이 캔버스 위에 흩뿌려진 듯한 모양새의 회화 안에서 우리는 마치 엄청난 무력에 의해 그 내부와 외부의 경계가 흐려진 물질의 존재를 감각하며 신체의 다공성 경계에 대한 작가의 지속되는 관심을 시사한다. 전시는 10월 22일까지, 서울 종로구 소격동 국제갤러리.

정보원, '음향공간 시리즈 S1', 100 x 146 x 100cm [사진제공 = 표갤러리]

▲정보원 개인전 '무한공간 Infinite Space' = 표갤러리는 정보원 개인전 '무한공간 Infinite Space'을 진행한다. 정보원은 조각가로서 덩어리를 가진 한 구조물을 만들기보다 서로 다른 개체 간에 생기는 긴장감이 더 중요하다는 것을 강조하는 작가다. 그는 구조물과 구조물 사이, 볼륨과 볼륨 사이에 생기는 긴장감, 그 주변을 맴도는 보이지 않는 기류나 음파까지가 자신의 작업 영역이라고 밝혔다.

작가는 1991년 작 ‘네 대의 피아노를 위한 협주곡, ‘칸타타 BWV56’, ‘다 음성의 탈 구조’ 그리고 1999년 LG Art-Center의 ‘음향 공간’ 등의 이름으로 작업하며 구조물과 그 주변의 빈 공간을 채우는 소리나 음파에 대한 작품을 제작해 왔다.

정보원, '무한 공간 21-1', 176 x 99cm [사진제공 = 표갤러리]

그는 음파를 활용한 작업의 일환으로 최근 BTS의 음악을 시각화한 실험적인 작업을 선보였는데, '소리의 움직임 시리즈 S1'와 '음향공간 시리즈 S1'이 그 예시다. 두 작품은 BTS의 음악이 가진 주파수를 시각화해 다양한 형태로 재배치하면서 음악의 다양성을 시각적으로 표현해 작품으로 만들어냈다. 보이지 않는 감각을 시각적으로 표현한 작가의 시도는 그의 작품세계를 더욱 풍부하게 만들고 오늘날 도시의 소통 공간으로서 관객과 대화하며 미래로의 비전을 제시하는 역할을 수행하고 있다.

아울러 작가는 추상적 형태와 기하학적 구조의 기반 위에 인간의 존재와 환경의 유기적 상호작용을 모델링하고자 하는 메시지를 작품을 통해 전한다. 이를 통해 기존 도시 공간은 단순한 기능적 공간에서 벗어나, 더 의미 있는 인간 중심의 소통과 활동이 가능한 장소로 진화하고 있다. 전시는 10월 7일까지, 서울시 종로구 자하문로 표갤러리.

김희윤 기자 film4h@asiae.co.kr